“Volto lungo, naso aquilino, occhi grossi e mascella larga”.

Ecco il ritratto di Dante con cui moltissimi artisti si sono scontrati e sulla base del quale sono arrivati a noi i tratti del suo volto.

È quello che emerge dalle parole di Giovanni Boccaccio che, nel 1363, scrive il Trattatello in laude di Dante.

"Fu adunque questo nostro poeta di mediocre statura, e, poi che alla matura età fu pervenuto, andò alquanto curvetto, e era il suo andare grave e mansueto, d’onestissimi panni sempre vestito in quell’abito che era alla sua maturità convenevole. Il suo volto fu lungo, e il naso aquilino, e gli occhi anzi grossi che piccioli, le mascelle grandi, e dal labbro di sotto era quel di sopra avanzato; e il colore era bruno, e i capelli e la barba spessi, neri e crespi, e sempre nella faccia malinconico e pensoso."

Eppure, nemmeno Boccaccio lo aveva mai incontrato di persona: per descriverlo, attinse dalle informazioni di coloro che lo avevano conosciuto o gli erano state amiche.

Chi invece lo conobbe davvero fu Giotto, del quale è giunto a noi il ritratto di Dante dipinto nella cappella della Maddalena, nel Palazzo del Bargello a Firenze.

In questo ritratto, Dante è rappresentato molto giovane, cioè prima che fosse esiliato da Firenze, la sua città, per via della sua attività politica tra i Guelfi Bianchi, nonostante l’opera sia successiva a quell’evento. Nel dipinto, Giotto colloca il Sommo Poeta fra gli eletti che hanno avuto accesso al Paradiso.

Il palazzo fu distrutto da un incendio nel 1322 e per questo la critica si interroga se il ritratto sia in effetti ciò che resta del dipinto di Giotto oppure se sia un rifacimento successivo per mano di un suo allievo o addirittura esito di un restauro ottocentesco, all’epoca del ritrovamento.

A partire da questo primo ritratto del Sommo Poeta, proviamo a fare un piccolo excursus storico di quegli artisti che si sono confrontati con il suo viso e il suo corpo più che con la sua opera che, naturalmente, riveste un ruolo piuttosto ingombrante e spesso oscura l’autore stesso.

La fortuna di Dante nel Rinascimento

Fra Quattro e Cinquecento si assiste al nascere di un vero e proprio culto di Dante e della sua opera, tanto che tutti i maggiori pittori del periodo si sono cimentati con il suo ritratto e soprattutto con l’illustrazione della Commedia.

A metà del 1400, Andrea del Castagno, uno tra i massimi interpreti del primo Rinascimento fiorentino, affresca il salone della villa Carducci Pandolfini con figure di sei fiorentini illustri e di tre donne sapienti. Tra questi, naturalmente, spicca il ritratto di Dante: si tratta del primo realizzato nel Quattrocento.

La figura del Poeta è vista un po’ di scorcio, in piedi, con il piede destro e la mano sinistra avanzati come se volesse uscire dal riquadro che gli è stato assegnato dal pittore. Il volto è giovane e fresco, anche il naso aquilino che siamo abituati a vedere è meno pronunciato e ritorna anche qui il particolare del labbro inferiore prominente della descrizione di Boccaccio.

In queste prime raffigurazioni, l’abbigliamento e l’atteggiamento del Poeta è molto simile: porta una veste rossa, ampia e lunga, che sta sopra ad abiti più stretti che si vedono sporgere dalle maniche. La testa è coperta da una cuffia alla quale è soprapposto un cappuccio e in entrambe e rappresentazioni tiene in mano un libro, anzi sicuramente il libro, la Commedia.

Al Dante “in divisa” fa riferimento Aldo Carioli nel “come te lo spiego” dedicato al Dante medico pubblicato a marzo 2025 in occasione del Dantedì.

In occasione del secondo centenario della nascita di Dante, nel 1465, fu commissionata a Domenico di Francesco, detto di Michelino, una grade e oggi celeberrima rappresentazione del Poeta per il muro settentrionale del duomo di Firenze.

Dante è ritratto in piedi, per la prima volta coronato di alloro, simbolo medievale del trionfo della poesia, con una veste rossa e il libro in mano: questa volta è addirittura leggibile l’incipit della Commedia sul dipinto. L’autore doveva aver certamente avuto come modello sia il ritratto di Andrea del Castagno sia quello di Giotto, oltre alla descrizione di Boccaccio.

Il Poeta si trova qui davanti all’ingresso della città di Firenze, nella quale è nato ma che ora lo tiene lontano, chiusa dalle mura e dalla grande porta sbarrata. Di fronte si contrappone alla città la rappresentazione dell’Inferno, mentre sullo sfondo si stagliano Purgatorio e Paradiso.

Il più famoso ritratto di Dante, quello passato alla storia, che tutti riconosciamo come il Sommo Poeta, è quello di Sandro Botticelli.

Il volto è rappresentato di profilo, come è uso nei ritratti rinascimentali, il viso severo, i lineamenti marcati, la veste con cui ormai ci aspettiamo di vederlo. Abito rosso, cappuccio dello stesso colore dal quale esce la cuffia bianca e, da Domenico di Michelino in avanti, la corona d’alloro.

Il profilo si staglia nettamente sul fondo chiaro e monocromo, privo di dettagli, la linea del disegno è netta e visibile come nello stile di Botticelli.

Per quanto serio, il viso di Dante è impassibile, immobile, imperturbabile, idealizzato. Quelle che fino a qui sono state caratteristiche fisiche non segno di grande bellezza - come il naso adunco, il mento prominente, gli occhi severi - nel ritratto di Botticelli fanno assumere a Dante un’aria di nobiltà e di grandezza, adatta a rappresentare il padre della lingua italiana, il fiorentino più celebre di tutti.

Di pochi anni successiva è la decorazione della Stanza della Segnatura in Vaticano, commissionata dal Papa Giulio II a Raffaello. Qui dante compare in due occasioni.

Il tema del grande affresco della Disputa del sacramento è la rappresentazione della gloria della Chiesa, nelle sue accezioni celeste e terrena. Esso completa il programma teologico della stanza, che indicava le vie per giungere a Dio, con la rappresentazione del Vero teologico (la fede cristiana e i suoi dogmi), del Vero razionale (la Filosofia, e quindi la Scuola di Atene), del Bene (le Virtù raffigurate nelle volte) e del Bello (la Poesia, raffigurata dal consesso dei poeti nel Parnaso).

Nella parte bassa del grande affresco c’è la Chiesa terrena, quella militante, rappresentata da un grande altare con un ostensorio che rimanda alla presenza di Cristo nella vita sulla terra. Questa Chiesa agisce al cospetto di quella celeste, che si trova nella parte superiore dell’opera. Qui Padre, Figlio e Spirito Santo sono perfettamente allineati con l’ostia presente sulla mensa eucaristica.

Nella parte bassa, ai due lati dell’altare, gruppi di figure fra cui teologi, dottori della Chiesa, pontefici, ma anche filantropi e letterati, discutono di teologia: fra questi anche il nostro Poeta con un volto fiero, severo e sicuro. La scena non è più statica ma ricca di pathos e di movimento: le figure sono intente in una discussione accesa che si esprime con braccia alzate e i gesti ampi.

Ma non è l’unica apparizione di Dante nella stanza. Raffaello lo ritrae nuovamente con tratti simili, l’anno dopo, nella lunetta dedicata la Parnaso.

A metà del 1500 troviamo una raffigurazione del Poeta un po’ diversa da quelle alle quali ci siamo abituati finora: Dante viene inserito in un contesto nuovo, affiancato da cinque suoi colleghi letterati che lo ascoltano mentre illustra la sua opera. Il dipinto fu commissionato a Giorgio Vasari da Luca Martini, esponente di rilievo della corte di Cosimo I de’ Medici.

Nell'opera, dal titolo Sei poeti toscani, realizzata fra il 1543 e il 1544, Dante si trova in posizione centrale, circondato dai suoi colleghi letterati: si tratta di una celebrazione ideologica della storia della letteratura del nostro paese, in particolare di quella toscana.

Il Sommo Poeta è seduto al centro e sta mostrando a Guido Cavalcanti, in piedi alle sue spalle, un libro di Virgilio. Al suo fianco c'è Francesco Petrarca, che si protende in avanti per osservare da vicino, mentre in posizione appena un po’ arretrata c'è anche Giovanni Boccaccio.

Come Dante, tutti questi poeti sono coronati d’alloro, mentre sullo sfondo ci sono altri due umanisti, indicati dalla critica come Angelo Poliziano e Marsilio Ficino. Tuttavia, Poliziano e Ficino sono senza corona. Il profilo del Poeta è un po’ diverso da quelli precedenti: il naso ha una forma ancora più massiccia, quasi a zoccolo di cavallo, ma la veste e i tratti distintivi sono gli stessi.

Il ritratto che il Bronzino ci ha lasciato del nostro Poeta è un chiaro segno di come nel Rinascimento ci fosse un vero e proprio culto dei grandi del passato. Si tratta un’opera allegorica che fu commissionata al pittore intorno al 1532. Nello stesso anno, all’artista fu chiesto di realizzare anche i ritratti di Petrarca e di Boccaccio, ma purtroppo di questi due ritratti si sia persa ogni traccia.

Le tre opere erano destinate a ornare una camera della casa del banchiere fiorentino Bartolomeo Bettini. La storia di quest'opera è narrata da Vasari in Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori, e architettori. Oltre ai tre ritratti dei poeti fiorentini, al centro nella stanza doveva esserci una tavola con Venere e Cupido, dipinta da Pontormo sulla base del cartone di Michelangelo, che oggi è conservata alle Gallerie dell'Accademia.

In un paesaggio irreale, Dante è seduto su una roccia con una copia della sua Commedia in mano, aperta alle pagine del XV canto del Paradiso dove risiedono le anime di coloro che combatterono e morirono per la fede. Questo riferimento allude al suo esilio dovuto alla sua militanza nella fazione dei Guelfi Bianchi. Il suo sguardo è rivolto verso il mare da cui spunta la montagna del Purgatorio mentre la sua mano destra sta sollevata quasi a voler proteggere i monumenti simbolo di Firenze, città dove spera un giorno di poter tornare.

Dal Seicento alla modernità

Nel XVII e XVIII secolo la parabola dantesca va un po’ scemando. Pensiamo infatti che in tutto il 1600 si hanno solo tre edizioni della Commedia.

Anche il Secolo dei Lumi non accoglie il Poeta con grande entusiasmo; è solo con lo Sturm und Drang e con l’arrivo delle prime istanze romantiche in Italia nell’800 che Dante ritorna a essere centrale nella nostra cultura e, anzi, viene assunto a simbolo unificatore di tutti gli italiani, della lingua e della politica, per quanto il paese non fosse ancora unificato.

A metà del 1800, poi, il Poeta rientra anche nelle arti visive: si ricomincia a illustrare la sua opera ma anche lui stesso, protagonista di alcuni ritratti illustri.

Il maestro dei preraffaelliti, Dante Gabriel Rossetti, figlio lui stesso di un poeta italiano, torna diverse volte sulle tematiche dantesche ma, diversamente dai suoi contemporanei che erano affascinati dalla Divina Commedia, si concentra sull'amor cortese e ne fa oggetto di tante sue opere. Fra queste un bellissimo pannello decorativo, originariamente destinato ad ornare un mobile della Red House di William Morris, in cui la figura di Dante è centrale, ma lo è soprattutto il suo sentimento per Beatrice.

Pochi anni dopo, nel 1861, il disegnatore e litografo Gustav Doré realizza un'illustrazione del busto di Dante per un'edizione della Divina Commedia dell'editore Hachette che determinerà l'iconografia dantesca degli anni successivi.

Il profilo è simile a quello a cui siamo abituati ma la bocca ricurva verso il basso dà ancor più un senso di austerità al personaggio. Anche gli abiti sono cambiati. Nel ritratto di Gustave Doré Dante indossa una giacca dallo stile quasi contemporaneo.

A testimonianza della presenza di Dante nelle arti visive anche nel XX secolo si possono portare due celebri opere che aprono e chiudono il secolo.

Nel 1920, in occasione del sesto centenario della morte del Poeta, Adolfo De Carolis realizza una famosissima la xilografia che ritrae Dante a mezzo busto, per la prima volta visto frontalmente. Il capo è cinto di alloro, l’abito è quello tipico, il volto è meno severo e le mani sono incrociate sulla sua Commedia, nella quale è possibili leggere i versi conclusivi del Paradiso. Sullo scrittorio sono collocati i libri del Convivio e della Vita Nova e sullo sfondo le tre arcate simboleggiano le tre Cantiche.

De Carolis donò una delle copie della xilografia a Gabriele D'Annunzio, che la battezzò "Dantes Adriacus", titolo che rimase all'opera.

In tempi più recenti un maestro del travestimento e del trasformismo come Luigi Ontani si è cimentato in un ritratto di Dante molto particolare.

Ontani è tra i maggiori protagonisti dell’arte italiana del secondo Novecento: è stato fotografo, scultore, pittore. Non è facile definire l’opera di questo poliedrico artista, dall’approccio libero da qualsiasi convenzione e limite, convinto che l’arte debba essere un momento di gioco e di evasione e non debba quindi prendersi troppo sul serio.

Fra le tante tecniche che Ontani ha utilizzato c’è anche quella del tableau vivant, nel quale lui stesso appare mascherato come a rappresentare la scena di un quadro. In questo caso il soggetto è proprio Dante, nelle vesti tradizionali, con il capo cinto di alloro a ricordare il ritratto più celebre di tutti, quello di Botticelli, citato all’inizio di questo breve excursus. E la somiglianza è davvero sorprendente.

Crediti immagine: Giorgio Vasari, Sei poeti toscani, pittura a olio, 1544. Minneapolis, Institute of Art. (Fonte: Wikipedia)